墨僕巢随笔

文/赵规划 ·中和平淡是一种心境，中国文人的人生哲学最讲究的是一个“境”字。“落花无言，人淡如菊”是一种安详之境，“去留无意，任天上云卷云舒”是一种超脱之境。境界是中国人文精神的永远追求，无求无期是自然态势的真实表露。艺术需要真诚，只有到中国文化丰富的内涵中修炼自己，滌荡浮躁，去关照自己的笔墨人生，才能达到“物我两忘，心手合一”的最佳境界。 ·艺术需要个性。个性化是绘画风格的主要构成因素，但不能刻意地追求个性，越求越不真，欲速则不达。风格是自然天成，是不断否定和不断反思的结果，是循序渐进，自然而然的彰显。风格置于共性之中，从共性汲取养料，共性容纳得月多，艺术的个性才能越发突出，才能凸显他的价值。艺术的个性化，更应溶入艺术含量，在风格的高品相上做女里，否则，个性化既无艺术境界，也无生命力。 ·一幅好画体现出更多的思想与丰富的文化内涵。画家画外之功尤为重要，传统文人绘画十分强调“画外功夫”的修养。画家要学识渊博，触及领域要广泛，金石、书法、美学、史论、画理等不可缺少，只有博采众长、择善而从，才能专心致力、别开生面。黄宾虹先生说：“只博不专，难于有成；只专不博，学则不通。要先博而后约，博约结合，才能使学识融会贯通，有所成就。” ·宇宙间万象畢陈，事物之美不分宏观微观，各具特色。画作分量不在于尺幅大小，大画看气势，以笔墨酣畅为上；小画看情趣，以笔墨精妙为佳。大则蕴力以内，小则张力于外；大画宜名山大川，小画宜小桥流水。以大见下大谓之气象张扬，以小见小谓之笔墨精致。神妙之笔果于毫端乃妙于心手相通。凡得力度之作品其小也大，凡失力度之作品其大也小。 ·美是形形色色的，是多样的。美是自然的，美也是创造的，对美的定义众说不一。去伪留真，古人能传留下来的都是美的。对于美有人曾经这样描述：“中和美，激励也是没，似与不似之间是美，似于不似也是美；似曲且直是美，曲与直也是美；似圆且方是美，圆与方也是美；柔中带刚是美，柔与刚也是美；月亮美，太阳也美；含蓄美，张扬也是美；写是美，泼与灑也是美……”美处处存在，时时存在。当然，由于个人的学识、修养、观点、认识不同，对美的理解也不相同，对美的观念和价值也不同。 ·做一个中国画家，首先要确立传承观念，传承是一种责任，传承是一种信仰。中国画的形成，走过数千年历程，是一代又一代致力于研习中国绘画的画家的传承和发展着的，古今脉络项链，笔墨气息贯通。传承需要真诚，传承是无私的，是非功利性的，传古人之“理”，传宇宙之“道”，传时代之“神”。 ·“笔墨当随时代”（清代石涛语），笔墨还要超越时代，时代变了，思想变了，观念变了，笔墨不能不变。做一名画家，就要必须承载传统和当代文化双重压力，创造一种状态。 ·中国是一个文明大国，五千年历史孕育出一个灿烂的民族画种——中国画。中国画自成体系，极具个性，奥妙非凡，生生不息。中国画家有着极强的地域观和文化观，在接纳外来文化吸收的同时，绝不改变和丢掉自己民族文化，相反，还要通过消化和吸收，更加确立自我，保持自尊和自立，丰富和完美中国画的艺术特征。民族的、优秀的、蓬勃向上的，才是世界的。 ·“不与人同”（黄宾虹语）。说起来容易，做起来难哪！中国画发展到今天，已呈多元趋势，千姿百态，丰富多彩。虽然从材料到观念都在更新，但彼此相互间的影子隐约可见。很难彻底跳出笔墨与形式的圈子。“不与人同”是个性语言遵循法则，是画家自我感情的暴露与宣泄，自我意识的表达与伸张，是画家的修养、学识、状态境界、独立性等折射在作品中的真实体现。 ·“不与人同”就是不与古人同，不与今人同，不与洋人同，不与自己同，艺术只有“一意孤行”、“我行我素”、“不与人同”，才能有存在的真正价值和意义。 ·我欣赏笔墨至上的观念，崇尚艺术性、绘画性的原则，追求中国画中的文化内涵，从主观上营造一个属于自己的天地，去表达主观情感的真实性， ·做一个山水画家，不是要照搬真山真水，而是要借助对真山真水的观察和理解，将自然形态转化为艺术形态，创造属于自己心中的山水。山水画源于自然，山水画家接受自然的恩惠越多，灵感就越多。一个山水画家的形成，是不断地到自然中吸取营养、激发感情，接受大自然给你的视觉上、心理上的印象和感觉的结果。捕捉大自然在不同季节、不同环境、不同地貌的变化，化自然之山水，描吾心中之山水。 ·道家创始人老子曰：“人法地，地法天，天法道，道法自然。”道家还主张人与自然的融合，“天地与我并生，万物与我为一。”达到“天人合一”的最高境界，中国山水画是最能体现这种精神的艺术表现形式。 ·笔墨是中国画的灵魂，意境也是中国画的灵魂。山水画艺术不是对自然简单的复制和照搬，而是画家通过感情认识对自然“心领神会”，再通过构思取舍，运用笔墨技巧，遵循“外师造化，中得心源”的创作法则，达到“天人合一”的理想境界。有了人与自然的和谐、浑然一体，才能有物我相融的艺术作品。 ·我很关注和赞同现实主义的绘画风格，现实主义的中国绘画是保持了中国传统绘画的延续性。现实主义是永恒的，是经久不衰的，它象一棵不朽的参天大树，茁壮成长，各种怪誕离奇的绘画流派和所谓的其它什么主义的画风，都好比是这棵大树上一个个树叉，有的被修剪，有的自然枯死，有的……。 ·传统是前人留下的好思想，好技能，好经验。传统是古人留给我们的 ，也是现代人认可后留给后人的。传统是传承给后人的法则，形成传统是千千万万个画家共同的结晶和智慧。优胜劣汰，适者生存。流传至今的都是经历几千年大浪淘沙后留下的瑰宝。画家石鲁说的好：“传统就是一代一代创造出来的，传到今天就叫传统。你如果创造的好，传下去就是传统。” ·画画是痛苦的，因为它是一种追求，有追求必然有痛苦，没有思想的人很少有痛苦。痛苦是让我们大徹大悟的灵丹妙药，真正认识了痛苦便会感谢痛苦。我正是愿意承受这种痛苦之人。 ·不要急于求成，欲速则不达。画画本身是一种过程，过程能产生动力和梦想，梦想是成功的过程，要学会享受过程，从过程中找到愉悦的快感，我主张在这种过程中真情地投入。 ·中国历代画家都以崇尚人品为上，人品不高，何谈画品。独立的人格，能创造独特的艺术。为艺者贵独立性情，不趋时附尚，先学会做人，后学会画画。 ·中国画是为不同人群观赏的中国艺术，中国画家是由各种类型组成的群体。不同层次的画家为不同层次的观赏者服务。如传统的、现代的、媚俗的、高贵的、抽象的、具象的、民间的、雅逸的等等。好的 艺术是曲高和寡，真正的画家任何时候都要走在时代的前列，不要被需求所困，更不能沦为商人的帮凶。画家一定要坚守自己的职业和道德底线，树立起一种责任感和使命感。 ·山水画区别于其它表现形式的一个最大特点，就是有“意境”。“意境”是山水画构生的一大关键，缺少了“意境”，就缺少了山水画的灵性。一个成功的山水画家，是制造“意境”的高手，意境是绘画的灵魂，意境决定形式，只有意境化的形式，才是艺术。 ·好画家是制造矛盾的高手，也是解决矛盾的高手。 ·激情是创作的动力，麻木不仁，笔墨也无精神。 ·一幅优秀的作品，是一个完美的组合，疏与密，大与小，干与湿，浓与淡，黑与白，远与近，天与地，山与水…… ·学画山水就不受前人所困，要舍短取菁，自出手眼，别开生面。画好山水，不但要学会观察自然之变化，达到饱览千山，胸藏五岳，还要熟练地运用好笔法、墨法和章法，掌握泼墨、积墨、焦墨等技巧，同时还要善于恰当地用好宿破墨、水墨交融，从而达到意想之效果。 ·新是艺术的生命，创新的关键是要认识传统，传统与创新的关系是辨证的，没有传统就谈不上创新，前人的创新就成了今日的传统，今日的创新也有可能会成为明日传统。千百年来，中国画的发展就是这样走过来的。笔墨与史偕行，笔墨当随时代，笔墨还要超越时代，艺术必须走在时代的前列，这又成为艺术发展的必然规律。没有时代精神，没有创新勇气，中国画将成为永远的过去。 ·画家不能埋头苦干，最重要的是找准属于自己的绘画语言，这种语言经过加工、取舍、强化，保留和凸显鲜明的个人特色，才能实现你的存在价值和真正艺术生命上的意义。 ·沙士比亚曾说：“你越追随荣誉，你离它就越远。”被称得上普通的画“家”，已经很不容易。画家不能理解为一般画画的，能称得上“家”的人，已经具备了很高的条件，如天赋、才情、个性、成就等等。如果要想达到知名的、著名的、大师级的，那就更难了。成功的画家的背后不只是伴随着荣誉，同时也伴随着痛苦。追求是痛苦的，不顾承受痛苦的人，荣誉就越来越远。每个画者都要明确这一点，调整好自己的心态，也不要被“荣誉“压得喘不过气来，平平淡淡才是在很，千千万万个画家能留在美术史的只是那几个人，我们都是那几个人的陪葬品。 ·天才、智慧、悟性是一个画家成功的 先决条件，但勤奋也是不能缺少的。“有数量，才有质量“（潘天寿语），致使那些天性、悟性极高的人，也是要做出一定努力的。画画太苦了，不该吃这碗饭的人，千万不要再做无畏的牺牲。 ·人到了一定的年龄，总想找和清净之处，逃脱世俗的纠缠，在自由的王国里自由自在地遨游。其实自由对每个人来讲都是梦想的终极追求，无时无刻都在渴望自由，然而自由并不那么容易，现实中的种种限制象无数条绳索捆绑着，社会的、家庭的、亲朋的、自然的、道德的、法律的等等。画画至用的自由，画家本应在自己的画案前，营造一个安身立命的精神领地，营造一个“我行我素”、“无法无天”的理想家园。“千古不移”的笔墨法则，同样也是约束。笔法、墨法、章法、皴法、描法、水法等等，处处是法，无法不有，很少有画家能从法的困囿中解脱出来，更难进入大解放、大解脱的自由状态。自由“无我”和“忘我”只能是人们以目中的虚幻和美好愿望。 ·对于一个刚刚起步（或者自认为很有成就的）的艺术家，大肆炒作和过分地宣扬，这种表面的泡沫和虚火可能会使之一时名声大噪，但最终会葬送一个艺术家的艺术生命。一个艺术家，最好还是让作品说话，常言道：无声胜有声。时间是公正的、无情的、历史会淘汰一些虚伪的作品，成功完全靠具有魅力的作品，才能获取永恒。 ·中国画家要有很好的文化修养，一幅作品，能折射出画家的学识和品位。中国画中包含的学问奥妙无穷，传统国画的本原应是文人画，在成为中国画家之前，必须先成为一个文人，然后再去画画。画家的成功，除去天赋、勤奋、年龄等要素之外，还要注入更多的文化含量，谁的文化修养高，谁对中国传统文化认识和理解深刻到位，谁的发展空间就越大，道路就越远。 ·笔墨是什么？笔墨是一种物质，它给历代文人骚客提供了一种传达情感、传播文明的载体；笔墨是一种精神，它给历代文人画家设计出种种幻化和美丽的家园；笔墨是一种心象，用自由的方式构造与转换，表达情感和生命意蕴；笔墨又是一种枷锁，死死地束缚着个性的张扬和想象力的施展。笔墨是什么？独立的笔墨又什么都不是，脱离了具体画面的笔墨，其价值等于零。笔墨是什么？笔墨又是一种符号，当它真正依附在物象上，才富有鲜活的表现力和生命力。 ·艺术创作一定要用情感投入。一幅好画，首先要感动自己，只有感动自己，才有可能感动别人。一个画家能用一生的情感画出一幅让人难以忘怀的作品已足矣。五十年间，给我印象最深的画家都是以现实主义的眼光和现实主义的表现手段，用真挚的情感关注民生、关心社会、关爱自然，塑造出一个个震慑魂魄的艺术形象，使人热血升腾、心灵震撼、催人奋进。如石鲁的《转战狭北》、方增先的《粒粒皆辛苦》、刘文西的《祖孙四代》、杜健的《激流勇进》温饱的《四个姑娘》、钱鬆岩的《红岩》、周思聪的《人民的好总理》、陈逸飞的《黄河颂》、陈丹青的《泪水洒满青稞田》、罗中立的《父亲》等等，那些鲜活的形象，蕴藏着巨大的生命力和审美视觉的冲击波，历历在目，无法使人忘却。 ·现实主义是一种艺术主张，是一种审美理念和人文精神，或者说是一种文化意义上的品格和精神。我喜欢和遵循现实主义的绘画风格。现实主义的中国画仍然是以反映现实为起点，从社会、人生、自然中吸取创作的源泉。在世界艺术的大格局中，中国式的现实主义表现出中国艺术特有的意象体系，以“妙在似与不似之间”的浪漫主义的意象造型，展现出中国画面向自然、面向生活的现实品格和现实精神。 ·中国画是修养画，是学问画。修养越高，画的境界就越高。学问越深，画的内涵就越深。中国文化博大精深，中国画蕴藏着丰厚精妙的文化精神。反之，中国画脱离中国文化这块土壤，则成为无本之本，无源之水。一个画家必须把画画当作一生一世的学问和修行。 ·对于画家来说，一定要有自己的风格和面貌。独一无二，才赋有他的真正价值和意义。中国画讲究笔墨功夫，就要“夏练三伏，冬练三九”、“不可一日无功”。笔墨语言化的确立和形成，是长期的实践中不断积累，不断变化着的，休正、锤炼、规范，最后建立的相对稳定的笔墨定式。笔墨风格是中国画的精神特征，随着对自然的认识，对中国传统文化的理解，笔墨的语言个性会更加显露和丰满完善。画家成家，一定要有自己的个性，自己的风格，自己的思想，自己的道路。 ·一幅作品，一定要有思想性、艺术性（绘画性），否则，是没有看头的，是没有任何说服力的。笔墨语言的形成，不能简单地理解为把笔和墨洒落在纸上就算完成了。笔墨的研究是画家一生的必修课。笔墨不单是通过用笔中的皴、擦、点、染和逆、藏、露、聚、散等表现手法去完成一幅画面，更重要的是通过画家的高尚艺术品格和修行，创造出一种人文精神，一种文化内涵，一种令人神往的意味追求和审美境界。 ·画什么不重要，关键是怎样画，要有与众不同的高明之处，要有善于捕捉生活中平凡物象的慧眼。齐白石“为万蟲写照，为百鸟传神”，画的大都是老百姓喜闻乐见的东西，他笔下的花鸟鱼虫极富生活情趣和民间特色，为人民大众架起了艺术与生活的桥梁，他成功了，被誉为是“人民的艺术家”。浙派画家潘天寿用宏篇巨构描绘出一些不为人知，不为人所画的山花野卉，把一叢叢的“花草不在多”置于幽谷之中，拓展出以小见大的美学观和以花卉与山水相融的新图式，使笔墨着中的 草野山花传达出大自然的不息生命，具有时代性和现代感，最后成为一代大家。