最早认识王文刚，是因为采访他的恩师洪凌先生。一开始，王文刚给我的印象是少言寡语，拙于表达，总是沉默。几年来，他的沉默寡言，留给我两次极为深刻的印象。一次是2006年秋天，他新婚之时，面对众多前来恭贺的画界同仁，作为新郎的王文刚致辞，在话筒前，他面带微笑，沉吟良久，说了一句“谢谢”，很长时间的沉默后，又说了一句“谢谢大家”，接着依旧是无声的微笑，整个致辞就此结束。还有一次，当大家围坐餐桌前讨论，最后决定将他养的爱犬——一只名叫“大黑”的藏獒送走时，王文刚面孔严峻，无声地、不息地流下了泪水。
在我看来，全部生活中的人与事都有其令人惊奇的品质。对于现代人而言，没有什么东西是直截了当的，一切理解起来都很困难——更何况对于心灵，对于像王文刚这样敏感而又富饶的内心。
沉默，就是对一切的总结，就是封锁内心……虽然泪水偶尔会泄露秘密。所谓言语播种，沉默收获。有时，寂静无声，恰恰体现出身体、意志和精神的内在统一。一个我们熟悉的经验是，在向逝者默祷时，我们的情感会暗中涌动，尽管它很短暂，但迫使人思考活着的意义。人，在静默状态下，更容易触及、超越普通现实，令人沉浸在一种完全不同的现实中，我们会迅速发现沉落在生命深处的自己的存在。
心怀探究之念，曾经在一个大雪纷飞的冬夜，我与王文刚有过一次长谈。他明确告诉我，多年来，他特别钟情贾珂梅蒂的作品，在情感上与他契合紧密。
贾珂梅蒂，这个从阿尔卑斯山脉贝盖尔走出来的山里人，一生庄严地颂赞着人的孤寂。他雕塑中火柴杆式的、细如豆芽的人物，象征着被战火烧焦了的人们。法国作家勒内说：“贾珂梅蒂的雕塑一直使我有着和详的感觉，他们躲进了神秘的我所不知的伤残之地，在那里维护并延续着自己的孤独。” 在绘画中，贾珂梅蒂惶恐不安的线条，重重叠叠的笔触，往往使观众萌生一层深深的隔膜——他的空间，是一个并不温暖的、灰色的场所，却最有可能给人休憩。贾克梅蒂的作品色调灰暗，当年曾有人规劝过他用些其它颜色，贾克梅蒂说，灰色不也是一种颜色吗？
但是，无论贾珂梅蒂的人物周围有着多么复杂的线条，气息多么沉郁，到最后，他描画的对象却是极少、极单一。在逝世的前一年，贾珂梅蒂终于说：“余生可用来描绘一只椅子脚，就一只椅子脚。”也许的确是这样，用一年的时间来描绘一只椅子脚，足够了。
对于现代画家来说，画什么，的确不是最重要的。所谓“一花一世界，一沙一天国”，无论是画一只椅子脚，或是画一片风景，一件皮衣，乃至一堆沙子，只要能超越肉眼所见，明心见性，有所发现，也就能逐步完成一个画家的重大任务——“把这个世界的辽阔无垠在一两英寸的空间里表现出来”。
王文刚自1999年以来，用了近10年时间，一直在画瓷罐、酒瓶、茶杯等等。在与瓶瓶罐罐的长久对视后，最终，王文刚内心逼迫出了一种诚实纯净的、幽深苍茫的景象。特别是近几年来《餐桌上的风景》系列，不得不使人心悦诚服——王文刚已俨然是一个深具独特表现力、有话要说、令人兴奋和充满期待的画家。
纵观王文刚的系列油画，明显给我三个形象，这三个形象偶有交融，但精神上更有递进。那就是：静谧的、忧伤的泉水；迅疾滑行的、漂逝的河流；纵深的、幽暗的、陡然崛起的风暴。
1999年至2002年，是王文刚的第一个时期，无论是单个的青花瓷器、玻璃杯，还是群体酒瓶，色彩都清丽高雅，气息恬静——作品流溢出一种温暖的、令人感到亲近的真诚。这些画，没有复杂的构图，使观者瞬间安静下来。那些内敛的米白色、粉橘色、灰蓝色、土黄色，柔和而优雅地调和在一起，呈现于一个单纯的背景中，宁静而又安谧。
我不清楚，这个时期王文刚是否受过乔治·莫兰迪的影响，但一个不争的事实是，他开始有意表达视觉观察到的、纯粹形体的世界——诚如莫兰迪所言：“事实上，形体的世界所唤起的感觉和图像，它与日常生活中所感受的完全不一样，因为那个视觉所及的世界是由形体、颜色、空间和光线所决定的……我相信，没有任何东西比我们所看到的世界更抽象，更不真实。” 由此，我们可以得出一个结论，王文刚与其说是在画瓶子，还不如说在画一些形似瓶子的几何图形，在画一些对位的色彩关系，在画一些静谧的情绪符号。
2002年至2006年，最鲜明的以2000年所画的《漂》（参加第三届全国油画展）为表记，王文刚的创作发生了突变。早年恬静的泉水变成了一条急速流淌的河流——所有静立的瓶子开始漂流，急匆匆自右往左划过画面，也宛如反方向奔驰的车窗外的风景，闪闪发亮，依稀一片。在宛如餐桌台布的前景中，暗藏着一个池塘或者一段河流，背景里偶尔出现山峦。从前稳定的几何图形趋于抽象，这种不确定性，这种迁流不住的游荡感，使过往的宁静变为一种惶恐不安，亲近感里出现了距离，内倾的感受变成了向外的求索与思考——用眼睛思考问题的方式，使王文刚的创作，暗合了一种“视”与“思”的交融和对话。
2006年以来，尤其是2007年的两幅作品，王文刚已开始步入一种主客体交融、物我相忘的境界——一个画家真正的独创阶段已悄然来临。
在这两幅作品中，画面从之前的平面推移，果断地转向纵深方向，边缘线藏匿于背景里，次序感和节奏变化更加自由。王文刚呈现给我们的，完全是一个灰暗的、梦幻般的空间，在这个空间的最远处升腾起风暴，整个画面迷漫着空濛的气象，让观者在视觉和心理中体验到一种混沌的虚无状态。虚无即自由，虚无，同时蕴涵着积极的力量——在那最幽冥的深处，似乎每一粒尘埃都有其自主性……在那里，似乎也夹杂着生灵的迹象，夹杂着我们渴望逃遁、渴望消融其间的对于自由的冲动。
没有一位艺术家的作品可以被简化成一个孤立的事件，它与艺术家最深沉的情感，以至自成一格的人生状态息息相联。画框宛如一个窗户，画家通过它将观众的注意力吸引过来，而批评家的任务，则是从这个窗户走出去，发掘出更多的情感素材——所谓分析和诠释，就是在这些资料和素材中，给出一个准确的支撑点，以期在精神上把握画家作品和内心存在的微妙平衡。
1969年，王文刚出生于安徽嘉山县的淮河边，河面在这一带很宽，对岸就是江苏省。河水悄无声息的流向远方，矮山、小树、田野与河水氤氲成一片空濛的景象。他的童年和少年时代就是在这里度过，也造就了他诗意、哀愁、多思的心境。
17岁时，王文刚应征入伍，在安徽省军区当兵。开始在合肥西北郊的大蜀山训练，后转至省军区大院，整个军旅生涯都与电影放映相伴。电影组要画宣传画，王文刚萌发了绘画兴趣。从南京学习幻灯片制作之后，他对于美术的爱好日渐浓郁。随后，王文刚在合肥市工人文化宫参加美术培训班，开始基础训练，每天除了工作就是画画。夜晚他总是骑车二十多里，从大蜀山到市文化宫——春去秋来，风雨无阻，孤身一人的来来往往中，寄托着一个青年对艺术的所有热望和执着。
在部队时，王文刚结识好友梅德林，长久的倾心交流，彼此鼓励，对王文刚帮助很大，让他感受到朋友的温情。
1991年，由好友陆静波介绍，王文刚到中央美院油画系工作室学习，并认识恩师洪凌先生。
1994年春天，王文刚跟随洪凌先生来到黄山洪凌工作室学画画。他在黄山一呆就是14年。
1997年，由洪凌引荐，王文刚再次赴中央美院油画系助教研修班学习，至1999年7月毕业。这三年，对于他而言，是一生的重要转折。在研修班里，王文刚画古典肖像，画人体，受到了坚实的写实训练，培育了牢实可靠的造型能力，并且开始渐渐明白油画语言的本质特征。
三年后，王文刚返回黄山，一边帮助洪凌老师料理工作室，一边在黄山学院任教，一边开始了自己的创作。
最初，王文刚也偶尔画画风景，随后对青花瓷器发生了兴趣。那种莹润剔透，高雅青亮，让他无比的激动。渐渐地，他的目光拓展开去，开始凝视画室餐桌上的陶罐、酒瓶、玻璃杯甚至实验室里的玻璃器皿。他都感到耐人寻味，韵味无穷。
从一开始，王文刚就不屑于摹写一个常人眼中的瓶子，他认为这样的摹写不值一提，“只是一个影象的残余物”而已——的确，在今天，我们的视力已经被成千的图像记忆压得有些疲倦了，我们必须懂得应当再次成为世界的学生。
一个普遍的经验是，当我们长久凝视一个物体，比如一个酒瓶时，我们的视觉会出现神奇的陌生感，酒瓶好像自身会变化一样。“实际上，不是酒瓶在变，而的确是因为‘意识’是一个‘不断流变、不断生成’的过程，所以，我必须费尽心力来刻画这一绵延不断的物象进程。”王文刚这样理解他的工作。
的确是这样，所谓发现真实，所谓忠实于内在的意识，所谓视觉思维的速度，这往往与一个艺术家的心境和情感状态密切相关——这也是我们理解王文刚创作三个阶段的关键。
在第一个时期，即“静谧、诗意的泉水”阶段，王文刚作品带给我们的恬静与温暖，反映出画家一种怡然自足的心境。随着岁月流逝，年华暗度，一种不安和紧张感渐渐降临，这既是生命的追逼使然，也因为精神上的焦虑和现实处境的困惑。 王文刚不止一次和我谈过，老师洪凌长久对他的呵护和关爱，以及在他艺术转折时期关键性的鼓励。在创作的第二阶段，即“飘逝的河流”阶段，我们也能够看出，王文刚的一些表达，深受老师影响。但问题的关键性质还不在这里，而在于一个艺术家面对一个强大的“精神父亲”时那种“影响的焦虑”——怎样真正在气韵贯通上向老师学习，又要找到自己的独特风格，成了王文刚艺术创作的重大课题。
现实生活中，既要忙学院教学，又要协助老师迎来送往，还要为工作室的发展前后奔波，所以，我把王文刚的第二时期那种“漂流瓶景象”，理解为在餐桌上短暂凝神后，又要迅速离开——一种忙忙碌碌的“视觉漂移”的写照。还有，作为一个沉默寡言、敏感多思的艺术家，我想王文刚在日常生活里，肯定有过许多对于孤独和距离的感悟，而这种感悟，又直接影响他的视觉体验——贾珂梅蒂曾经说过： “自从我变得对桌子和椅子之间的距离――有50厘米吧――越发敏感起来，一个房间或任何房间都变得比以前无限增大。某种程度上它变成如同世界一般浩瀚。所以，我只需生活在其中就足够了。”
在随后的创作中，倍感欣慰的是，王文刚终于将这种孤独的情感，引入一种瞬息即逝又绵绵不已的幻境之中——静物和风景，餐桌与天空，酒瓶与风暴……的确是这样，在他近期最为成功的作品中，王文刚的玻璃器皿，仿佛雨雪和冰雹，在狂风暴雨中，已披上了太空的尘沙。面对其作品，我们感受到的不仅仅是当代人性普遍的困境，而且是大众社会内个体的人的困境——在广大而复杂的社会，每个人都生存于心理孤寂状态中，王文刚的创作成为最为痛切的、孤绝的隐喻，我们内心往往只能在惊诧中久久为之撼动。是的，也正是这沉谧和灰暗，正是这冷漠与敬畏交织的对于孤度的赞颂，给我们带来慰藉，带来缓缓的灵魂的呵护。
近几年，王文刚的创作越来越引起美术界的重视，作品多次入选全国性的美展。2007年，由中央电视台主办、中国油画学会等单位协办的“CCTV中国当代油画作品展播”活动，共收到油画作品5496件，只有30件获奖作品，王文刚的作品《餐桌上的风景》荣添其中，喜获殊荣。
我是如此喜爱王文刚的作品，作为朋友，也特别珍惜与他的友情。王文刚性情纯良，为人忠厚，淡泊简朴中常持悲悯之念。碰巧的是，在我所知晓的关于贾科梅蒂的论述中，我认为约翰·伯格的评介最有见地，这段话，在我看来，也可以适合王文刚——“如果他生在较早的时代，他或许会成为僧侣画家。然而事实上，他却是生在这个难以理解且疏离感普遍流传的时代，他拒绝以一种过去的方式，即以‘宗教’为名来逃避这类的问题。他仍然固执地忠实于他自己的时间，对他来说，他对时间想必犹如对自己的皮囊般熟悉：从初生到现在，在这个皮囊中，他无法不诚实地面对自己，不得不承认在过去以及未来，‘人’都是注定要孑然孤独的。”
2008年3月于合肥
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